Не для оценки, а для сцены: как развить в ребенке артистизм через игру на фортепиано — профессиональное видение Елены Жунды

О том, как этого добиться, мы поговорим с Еленой Жундой — специалисткой по фортепиано и музыкальному образованию с 10-летним опытом работы в этой сфере.

Что такое артистизм пианиста

Елена работает концертмейстером в Университете Уингейт в США. Здесь она помогает вокалистам и инструменталистам готовиться к выступлениям, аккомпанирует во время экзаменационных прослушиваний, концертов, конкурсов и других академических мероприятий. Она представляла Университет Уингейт в качестве профессиональной пианистки на конкурсе NATS (National Association of Teachers of Singing), который проходил в Университете Северной Каролины в Гринсборо, аккомпанируя студентам и помогая им в подготовке. Также она работает преподавателем фортепиано в музыкальной школе в городе Монро, штат Северная Каролина. Проводит индивидуальные занятия с учениками разного возраста и уровня подготовки. У нее многолетний опыт обучения детей и взрослых. Ее ученики успешно выступают на концертах и образовательных мероприятиях и получают призовые места и награды на национальных и международных конкурсах пианистов. За результаты своей работы Елена получила многочисленные награды Teacher Appreciation Awards и другие награды от организаторов международных музыкальных конкурсов за высокий уровень преподавания, наставничества и подготовки учеников.

На протяжении своей профессиональной деятельности Жунда разработала собственную методику, способствующую последовательному развитию артистических способностей учеников-пианистов в процессе обучения.

Елена говорит, что артистичным можно назвать пианиста, который понимает художественный смысл произведения, эмоционально вовлекается в его исполнение, воплощает замысел в конкретные звуковые решения, удерживает внимание и направляет исполнение на слушателя.

"Артистизм нельзя отождествлять с темпераментом, экстраверсией, яркой мимикой или обилием движений. Сдержанный ученик может быть артистичным, если его исполнение внутренне сосредоточено, логично, эмоционально дифференцировано и коммуникативно. В своей модели я выделяю пять основных навыков:

— эмоциональное восприятие музыкально-интонационного содержания;

— адаптивная гибкость при изменении характера;

— произвольное внутреннее воспроизведение нужного состояния;

— непрерывность сценического внимания;

— "соответствие поведения художественному содержанию", — рассказывает преподавательница.

Жунда говорит, что подлинный артистизм ученика проявляется в целостном образе. В отличие от "просто выученного" номера, он проявляется в умении использовать фразировку, тембр, динамику и агогику (кратковременное отклонение (замедление или ускорение) от фиксированного темпа или ритма музыкального произведения) в соответствии с образом, быстро переходить между контрастными состояниями, самостоятельно настраиваться перед началом выступления, активно слушать собственное исполнение, возвращаться к задаче после ошибки, вести себя естественно на сцене, переносить навыки на новый репертуар. "Высшим показателем является способность самостоятельно сочетать содержание, эмоциональное состояние, технику, внимание и сценическое поведение".

Развитие сценичности и образного мышления

Елена говорит, что развивать сценичность, образное мышление и артистизм целесообразно начинать с первых лет обучения. Однако задания должны соответствовать возрасту и уровню развития ребенка. "Для младших учеников я использую метафоры, цветовые ассоциации, сюжетные рисунки, движущиеся образы, краткие названия музыкальных эпизодов. А для старших — словесную драматургию, карту эмоционального напряжения, сравнение различных интерпретаций, анализ стиля и самостоятельную формулировку исполнительского замысла".

Практические занятия с учениками преподавательница обычно делит на блоки. В эмоционально-мотивационном блоке, чтобы лучше развивать образное мышление у детей, она использует свободное рисование, ассоциативные карты, эмоциональную викторину, подбор глаголов к фразам, обозначение эмоциональных переходов в нотах, прослушивание контрастных интерпретаций, создание образного названия каждого раздела и словесную драматургию произведения.

"В деятельностно-творческом блоке я использую вариативную пробу: один фрагмент исполняется двумя или тремя способами, после чего ученик сравнивает результаты. Например, как меняется характер при другом прикосновении, какой баланс голосов создает ощущение пространства, как педаль влияет на гармоническую ясность, как артикуляция меняет образ".

Кроме того, Елена использует творческие упражнения с элементами импровизации. Например, ученик может самостоятельно завершить музыкальную фразу, придумать продолжение мелодии, изменить ритм, сохранив характер произведения, или передать переход от одного эмоционального состояния к другому. Главное, чтобы музыкальный образ был воплощён в звуке.

Жунда рассказывает, что иногда преподаватели, пытающиеся "научить артистизму" детей, допускают ошибки. Они сводят сценическую выразительность исключительно к мимике, активным движениям или внешней эффектности, используют нечеткие команды, вроде: "играй артистичнее", "почувствуй музыку", "не бойся". Однако такие фразы не объясняют ученику, какое конкретное действие нужно выполнить. "Я считаю, что отделять техническую работу от художественного замысла — тоже неверная стратегия. Если техника формируется механически, а образ добавляется лишь в конце, ученику трудно создать целостную интерпретацию. Ошибочно также навязывать ребёнку готовые эмоции, представления или жесты. Ассоциация должна возникать в диалоге с музыкальным текстом и находить своё воплощение в звуке".

Преподавательница отмечает, что готовить ученика только к "идеальному" исполнению, но не учить его продолжать после ошибки, а также использовать отдельные творческие упражнения без их последующего применения в другом репертуаре и новых сценических условиях — это также неэффективный подход к развитию артистизма.

Раскрытие способностей ребенка

Бывают случаи, когда на занятия приходят эмоционально "закрытые дети". Технически они играют хорошо, но внутренне сдержаны. Елена рассказывает, как работает с такими учениками: "Я не начинаю с требования проявлять больше внешних эмоций. Сначала на занятиях мы анализируем объективные музыкальные признаки: направление мелодии, гармоническое напряжение, регистр, ритмический импульс, фактуру, артикуляцию, динамическое развитие. После этого ученик подбирает словесную, зрительную или телесную ассоциацию. На третьем этапе мы проверяем, какие изменения в туше, тембре, артикуляции, динамике или фразировке делают этот образ слышимым".

Полезно предложить два или три способа исполнения произведения и попросить ученика обосновать свой выбор. Это снижает страх "неправильной эмоции" и учит самостоятельно осмысливать и обосновывать собственную интерпретацию музыки.

В случаях, когда у ребенка возникает страх сцены, преподавательница применяет собственные методы, помогающие его преодолеть. "Я не ставлю перед собой цель полностью устранить волнение. Я стремлюсь превратить сценическую ситуацию в управляемый процесс. Для этого использую постепенную последовательность: исполнение перед педагогом без остановок, аудиозапись, видеозапись, исполнение перед одним одноклассником, мини-концерт для небольшой группы, репетиция в концертном зале и публичное выступление". На каждом этапе ребенок придерживается постоянной последовательности действий: подготовка, внутреннее настроение, исполнение произведения, короткое восстановление и последующая рефлексия.

Роль взрослых

Родителям важно поддерживать ребенка во всех его начинаниях, в частности в музыкальных. А преподаватель должен создать психологически безопасную атмосферу на занятиях. "На мой взгляд, педагогу важно чётко объяснять, над чем именно нужно работать, помогать ученику, постепенно готовить его к различным сценическим ситуациям, учить спокойно реагировать на ошибки и формировать самостоятельность и ответственность в обучении".

Елена убеждена, что обратная связь от преподавателя должна состоять из трёх частей: описания конкретного действия, объяснения его музыкального эффекта и определения следующего шага.

Родители же должны поддерживать процесс обучения ребенка. Для этого важно давать конкретные и доброжелательные замечания, иметь реалистичные ожидания относительно успехов, помогать организовывать регулярные занятия и не превращать поддержку в постоянный контроль. Также не следует оценивать достижения ребенка исключительно по месту, занятому на конкурсе. Гораздо важнее поощрять его, мотивировать и помогать готовиться к выступлениям так, чтобы это не вызывало дополнительного волнения или страха.

Сегодня Елена Жунда проживает в США, где успешно применяет свою авторскую методику последовательного развития артистических навыков учеников-пианистов. Она работает с детьми разного возраста, уровня подготовки и индивидуальных особенностей, помогая каждому раскрыть творческий потенциал, развить уверенность на сцене и сформировать собственный стиль исполнения. Помимо работы в университете и школе, она развивает недавно созданную студию La Mi Sol Musical Art LLC, где является основательницей и ведущей преподавательницей фортепиано. Внедряя методику в своей студии, Жунда предполагает её активное использование в работе других частных и общественных фортепианных школ, применение в внешкольных художественных программах, университетских педагогических проектах и курсах повышения квалификации преподавателей.